Filme din anii ’70 pe care toată lumea trebuie să le vizioneze cel puțin o dată

Anii 1970 au fost o perioadă de tulburări și transformări în cinema. Având în vedere starea lumii, cum ar putea să nu fie? Statele Unite destabilizau cu sârguință lumea, duceau un război fără rost în Vietnam și susțineau dictatori în țări precum Chile și Iran. Scandalul Watergate l-a alungat pe președintele Richard M. Nixon din funcție. A fost o criză energetică. Elvis Presley a murit.

A fost și o schimbare a gărzii de filmare în curs. Maeștrii din epoca de aur ai Hollywood-ului au trecut ștafeta noilor talente ca Francis Ford Coppola, Martin Scorsese și Steven Spielberg, în timp ce cinefilii care fuseseră crescuți pe un mediu matur erau înfometați de divertisment care să distrugă convențiile. Acest lucru însemna că a existat, oricât de pe scurt, loc pentru regizori și inconformiști. Acesta din urmă a câștigat, desigur, dar am scos niște filme incredibil de grozave din el.

Le cunoașteți deja pe cele ce trebuie văzute: „Nașul”, „Fălcile”, „Sofer de taxi”, „Rețea”, „Exorcistul” și așa mai departe. Dar dacă abia acum devii curios despre această epocă, există o mulțime de pietre prețioase care sunt la fel de esențiale ca clasicele menționate mai sus. Aceste filme sunt 100% conduse de autori; ei rezistă formulelor consacrate pentru a explora tipurile de povești inedite și personaje idiosincratice pe care Hollywood-ul le ignoră de obicei. Aș putea să răspund recomandări toată ziua, dar iată cinci filme din acest deceniu tumultuos de care ai nevoie în viața ta.

Al Pacino și Gene Hackman au lucrat împreună doar o singură dată (și, conform celor dintâi, având în vedere abordările lor foarte diferite asupra meseriei lor, nu a fost o experiență ușoară), dar și-au făcut singura colaborare să conteze în povestea lui Jerry Schatzberg despre doi plutitori temperament opuși care se îndreaptă din California către Pittsburgh, unde speră să înceapă o afacere de spălătorie auto. Leul iubitor al lui Pacino îl răzbește inițial pe Hackman’s Max, dar el este cucerit treptat de nenorocitul încântător, hotărât el însuși să-și reia viața alături de soția sa și de fiul lor de cinci ani (de care a fost despărțit în timp ce lucra ca marinar).

Nimic nu merge conform planului. Cei doi ajung într-un lagăr de muncă în închisoare timp de o lună, ceea ce schimbă drastic dinamica relației lor. Cu cât petrecem mai mult timp cu Lion, cu atât bănuim mai mult că nu este direct cu privire la circumstanțele lui. În cele din urmă, Max își dă seama că Lion s-ar pierde fără el și își lasă garda severă ca mijloc de a-și aduce fragilul prieten nou la Pittsburgh cât mai aproape posibil.

Filmul este un ecou fascinant, dezbrăcat, al provocării lui Dennis Hopper la New Hollywood „Easy Rider”; Max și Lion își croiesc drumul prin țară în stil zero, căutând o bucată modestă din visul american. Nu sunt însoțiți de o coloană sonoră încărcată de băngeri și nici nu doresc să-și modifice conștiința cu medicamente halucinogene. Schatzberg și directorul de fotografiat Vilmos Zsigmond plasează personajele într-o locație neplăcută după alta, lăsându-ne să ne întrebăm cum își va găsi vreodată locul vreunul dintre acești inadaptați. Scenariul melancolic al lui Garry Michael White nu oferă prea multe speranțe, dar le oferă doi dintre cei mai mari actori vreodată spațiu amplu pentru a întruchipa o pereche de bărbați uitați.

Înainte ca Brian De Palma să devină un furnizor de cinema pur cu capodopere precum „Sisters”, „Carrie” și „The Fury” (toate au necesitat vizionare în anii 1970), a devenit un satiric care aruncă bombe cu duo-ul indisciplinat „Greetings” și „Hi, Mom!” Ambele filme bazate pe vignete îl prezintă pe Robert De Niro pre-stardom în rolul regizorului experimental Jon Ruben, un voyeur ultra-înfiorător care, în acest din urmă film, își încearcă stângace mâna să facă un film pornografic. Dar în timp ce „Bună, mamă!” a fost prevăzător în a anticipa tendința filmelor pentru adulți care avea să stăpânească națiunea doi ani mai târziu odată cu lansarea „Deep Throat”, filmul prinde viață când Ruben se alătură unei trupe de teatru Black care lucrează la o producție de teatru de gherilă numită „Be Black, Baby!”

Când am văzut „Bună, mamă!” la o retrospectivă de la De Palma în urmă cu 24 de ani, acest segment, în care actorii negri se îmbracă cu chipul alb și îi obligă pe spectatorii albi să poarte chipul negru, a fost întâmpinat cu gâfâituri. Am arătat acest film prietenilor și cunoscuților de mai multe ori de-a lungul anilor, iar reacția este întotdeauna aceeași. Prestația trupei devine asaltă; sunt gata să-și traumatizeze publicul alb în moduri în care săritul cu prăjitura sărită. De Palma mărește intensitatea la un grad insuportabil până când, în cele din urmă, rămânem cu o linie caustic hilară. În timp ce cei mai mulți regizori albi făceau aplauze de auto-felicitare, am rezolvat-rasismul în tipul „Ghici cine vine la cină”, De Palma s-a concentrat asupra acestei mentalități naive. Din păcate, „Fii negru, iubito!” lovește la fel de tare astăzi. Este o experiență opăritoare.

„A Woman Under the Influence” de John Cassavetes nu este o bijuterie subestimată, dar am impresia că este un film pe care majoritatea oamenilor l-au evitat datorită duratei sale de 147 de minute și reputației ca o descriere îngrozitoare a bolii mintale. Dragă Doamne, fă pasul. Portretul lui Gena Rowlands despre Mabel, soția maistrului de construcții Nick (Peter Falk), vă va pune inima și va arde. Veți experimenta o gamă de emoții care nu sunt accesibile pentru noi, simplii muritori, non-Rowlands. Și asta pentru că Cassavetes și Rowlands, un soț și o soție din viața reală, comunică direct unul cu celălalt, lucrează prin s*** și confruntă dragostea adevărată ca un zbor al instabilității.

Până la semnul muzical final capricios, „A Woman Under the Influence” joacă ca un studiu al dezastrului conjugal. Mabel pierde contactul cu realitatea și se pare că Nick, genul de nebun care, după ce a pierdut o întâlnire cu soția sa, își va aduce toată echipa de lucru acasă dimineața pentru o cină cu spaghete. Mabel este copleșitor de îngăduitoare, dar este și cochetă, ceea ce îl înfurie pe Nick. Ea evoluează, dar în ce măsură este Nick responsabil pentru asta? Această tensiune crește și crește până când explodează într-un moment în care iluminarea pare să lumineze stroboscopic ca răspuns la spectacolele supraalimentate ale lui Rowlands și Falk. Rowlands nu a fost niciodată mai bun, dar, din nou, niciun actor nu a fost vreodată mai bun. Vrei să fii martor la o piesă de actorie vulcanic grozavă? Urmăriți „O femeie sub influență”.

După ce și-a făcut debutul regizoral în 1969, cu filmul de schi „Downhill Racer”, Michael Ritchie a intrat în anii 1970 cu o serie de clasice disparate. El a împărtășit abordarea năucită a comediei a lui Robert Altman cu „Smile” și „The Bad News Bears”, dar a fost și un satiric ascuțit, așa cum demonstrează „The Candidate”, cu fața lui Robert Redford. Dacă nu ați văzut niciodată aceste filme, mergeți în grabă. Iar când le-ați scos din coadă, răsfățați-vă cu „Prime Cut” din 1972, un film criminal sui generis care îl găsește pe polițistul Nick Devlin (Lee Marvin) înfruntându-se cap la cap cu un măcelar sadic pe nume Mary Ann (Gene Hackman).

Cu cât știi mai puține despre intrarea „Prime Cut”, cu atât mai bine. A fost primul film al lui Hackman, după ce a câștigat Oscarul pentru cel mai bun actor pentru „The French Connection” și, prin perechea lui Marvin, a avut probabil un atracție comercială pentru Paramount. Din păcate, filmul a bombardat și a devenit rapid o notă de subsol în filmografiile tuturor celor implicați. În mod surprinzător, în ciuda ciudățeniei sale convingătoare (Mary Ann are o înclinație pentru a face cârnați din dușmanii săi) și a secvențelor de acțiune grozave (inclusiv o urmărire pe care Buzz Kulik a dezlănțuit-o fără rușine pentru ultimul film al lui Steve McQueen, „Vânătorul”), nu a dobândit un mare cult în ultimii 53 de ani. Este un film senzațional care merită mai bine.

George A. Romero este nașul incontestabil al filmului cu zombi, dar cea mai bună lucrare a sa ca regizor este cel mai inventiv film cu vampiri pe care îl veți vedea vreodată. Făcut pentru 250.000 de dolari în Pittsburgh, „Martin” îl joacă pe John Amplas în rolul unui tânăr care drogează și violează femei înainte de a se ospăta cu sângele lor. Este Martin un vampir adevărat sau un psihopat? Verișoara catolică lituaniană a lui Martin, Tata Cuda (Lincoln Maazel), așa crede și oferă tinerilor tulburați camera și masa pentru a-l supraveghea atent, promițându-i că, dacă Martin ucide pe cineva în suburbia lor din Pittsburgh, îi va trage un țăruș prin inima.

Romero a făcut acest film cu un an înainte de a obține o bună de box office cu „Zoria morților” și a marcat sfârșitul unei serii de filme de groază încântătoare, care au inclus „Season of the Witch” și „The Crazies”. Există o slăbiciune de oțel-țară la „Martin” care ți se infiltrează în oase; totul pare ieftin și murdar, iar această estetică este degradată și mai mult de abordarea brută a vampirismului a lui Martin cu seringi și lame de ras. Există un sentiment de boală predominant, care învârte stomacul, care atârnă peste film. Și apoi mai este dependența de radio a lui Martin: în fiecare seară, el sună la o emisiune a unui DJ local pentru a-și împărtăși mania. Gazda îl numește „Contele” și îl transformă într-o celebritate de cult. Romero lovește multe baze cu „Martin”.