Filme din anii ’60 pe care toată lumea ar trebui să le vizioneze cel puțin o dată

Anii 1960 au fost o eră tulbure de tranziție pe tot globul, iar această răsturnare a afectat fiecare formă de artă, cu excepția poate muzica polka. (Iată unde aflu despre o mișcare de polka electronică de avangardă care a înflorit în timpul primăverii de la Praga.) În acest deceniu au fost semănate semințele pentru revoluția Noului Hollywood, cu regizori incitanți, care depășesc convențiile, precum Dennis Hopper, Mike Nichols și Sergio Leone, explodând în scenă. Pe măsură ce Mișcarea pentru Drepturile Civile a progresat în ciuda asasinatelor liderilor săi și uciderii cu sânge rece a patru fetițe din Alabama, iar SUA s-au înrădăcinat mai mult în războiul inutil din Vietnam, filmele deveneau din ce în ce mai supărate, mai subversive și mult mai violent.

Acesta a fost deceniul care ne-a oferit clasice precum „Bonnie and Clyde”, „Easy Rider”, „The Graduate”, „In the Heat of the Night” și „Yojimbo”, în timp ce Noul Val francez a luat-o razna cu un aval de noi lansări de la genii care împing granițele precum Jean Luc-Godard, François Truffaut și Agnès Varda. Frederico Fellini, Luchino Visconti și Michelangelo Antonioni erau, de asemenea, în floarea lor, la fel ca și Ingmar Bergman. Între timp, Stanley Kubrick a creat două capodopere care au schimbat jocul în „Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb” și „2001: A Space Odyssey”.

În plus, deceniul a văzut westernurile de modă veche și muzicalele umflate, legate de scenă, au căzut din stil, chiar dacă contracultura sub influență a fost servită cu provocări psihedelice precum „The Trip”, „Head” și „Wild in the Street”. Cât despre filmele majore ale epocii nemenționate mai sus, chiar dacă nu le-ați văzut niciodată, știți titlurile, așa că nu trebuie să le recomand aici. Dar dacă sunteți în căutarea unui lot de filme care nu sunt bine cunoscute în mainstream, aceste filme superbe sunt emblematice ale vremurilor lor în moduri foarte diferite.

Înțelepciunea critică convențională susține că tradiția Hollywood Western a avut cântecul său de lebădă cu capodopera lui John Ford din 1962 „The Man Who Shot Liberty Valance”, dar puteai simți că genul, așa cum a fost codificat de Ford cu „Stagecoach” din 1939, avea ultima lui ură melancolică în filmul „1960 Comanche Station” al lui Budd Boetticher. Aceasta a fost ultima parte din Ciclul Ranown de oaters al regizorului, toate acestea – „Seven Men from Now”, „The Tall T”, „Decision at Sundown”, „Buchanan Rides Alone”, „Ride Lonesome” – sunt niște bătăi dure și concise. Toate aceste filme l-au jucat pe Randolph Scott și, în afară de „Buchanan Rides Alone”, au fost scrise de Burt Kennedy.

În acest ultim film Ranown, Scott joacă rolul lui Jefferson Cody, un tip care, în timp ce încearcă să-și elibereze soția răpită de Comanși, ajunge să o salveze pe Nancy Lowe (Nancy Gates), al cărei soț a emis o recompensă de 5.000 de dolari pentru întoarcerea ei. Cody dă peste o bandă de haiduci condusă de ucigașul cu sânge rece Ben Lane (Claude Akins), care știu că recompensa pentru întoarcerea lui Lowe este o propunere „viu sau mort”. Când Lowe este martor la comiterea unei crimă, Lane, căutând să evite lațul spânzuratorului, optează pentru „mort”. Ca toate westernurile lui Boetticher, „Comanche Station” este scurt (73 de minute) și este motivat de înțelegerea conflictuală a unui protagonist că hotărârea este cheia supraviețuirii pe acest teren perfid. Poate că nu este concluzia pe care unii critici și-au dorit-o pentru ciclul Ranown, dar cred că este cea pe care Scott și toate variațiile pe care le-a jucat pe un erou occidental au meritat-o. (Și, într-adevăr, ar trebui să începi cu „Șapte bărbați de acum” și să mergi înainte.)

Billy Wilder a câștigat cel mai bun film și cel mai bun regizor pentru „The Apartment” (considerat de mulți drept unul dintre cele mai grozave filme făcute vreodată) când a venit la ideea de a face cea mai rapidă comedie din toate timpurile. Nu este cel mai amuzant, ține cont. Cel mai rapid. Filmul în cauză a fost „Unul, doi, trei”, iar singura vedetă despre care Wilder credea că era capabilă să conducă ritmul de sprint al imaginii a fost James Cagney. Îndrăgitul veteran din showbiz avea la începutul lui 60 de ani la acea vreme și era îngrijorat de faptul că ritmul rapid era un mijloc de a acoperi un scenariu lipsit de strălucire. Wilder, totuși, și-a câștigat încrederea, iar cei doi au plecat la cursele livewire.

Cagney este un bărbat posedat ca director executiv al Coca-Cola CR „Mac” MacNamara, care are misiunea de a stabili sifonul ca marcă în Uniunea Sovietică; este, de asemenea, hotărât să devină cel mai bun câine în biroul companiei în Europa de Vest. Eforturile lui neobosite se complică atunci când marele șef din Atlanta îi cere să-și îngrijească fiica de 17 ani (Pamela Tiffin) în timp ce aceasta călătorește în străinătate. Tânăra ajunge să se îndrăgostească de un comunist est-german (Horst Bucholz, care l-a înfuriat pe Cagney pe tot parcursul filmării), ceea ce, dacă va afla șeful său, probabil că îl va costa pe Mac slujba lui. Complicațiile cresc la fel de repede pe măsură ce dialogul este scuipat, iar Cagney, genial ca întotdeauna, nu pierde nicio ritm. Din păcate, rigorile producției, care a implicat o mulțime de preluări, l-au lăsat pe Cagney epuizat; s-a retras din actorie la sfârșitul producției și avea să mai facă o singură apariție pe ecran (în „Ragtime” de Miloš Forman). Deși s-ar putea să ne răpească mai multe spectacole ale lui Cagney de la sfârșitul carierei, „One, Two, Three” este o încântare frenetică (cu strip tease-ul haotic al Liselottei Pulver fiind un punct culminant).

Clasicul singular al lui Kaneto Shindō „Onibaba” (un favorit al lui Willem Dafoe) transformă o parabolă budistă Shin într-un film horror delirant de carnal care face pentru iarba înaltă ceea ce „Fălcile” a făcut pentru ocean. Nobuko Otowa și Jitsuko Yoshimura joacă rolul mamei și, respectiv, soția unui bărbat care este plecat luptă într-un război civil japonez sângeros. În lipsa lui, femeia și nora ei s-au apucat de ambuscadă soldaților care se întorc care se pierd pe un câmp de iarbă de pampas; îi ucid pe bărbați, își aruncă trupurile într-o groapă bizar de adâncă și își vând armura unui negustor local.

Aceste doamne au o rachetă decentă până când vecina lor, Hachi, care a fost recrutată în același timp cu soțul tinerei femei, se întoarce acasă cu vestea că iubita ei a fost ucisă în luptă. Hachi nu pierde timpul încercând să o seducă pe văduvă, ceea ce o supără pe mama, în primul rând pentru că își face griji că Hachi își va lua partenerul în crimă și le va strica aranjamentul diabolic de afaceri. Când tânăra își coboară apărarea, Shindō activează erotismul și crește sentimentul că ceva supranatural poate fi în joc aici. Din acest moment înainte, „Onibaba” este o experiență cu totul imprevizibilă, încântătoare de ciudată, care ajunge la un punct culminant de neuitat. Este o piesă de pionierat din J-horror, dar destul de spre deosebire de filme precum „Pulse” sau „Ringu” (deși groapa aceea s-ar putea să-și amintească binele de la acesta din urmă). Reduceți luminile, lăsați-vă telefonul deoparte și lăsați-l pe Shindō să-și arunce vraja macabră.

Cultura americană a teoriei conspirației nu a început cu asasinarea președintelui John F. Kennedy („Candidatul Manciurian” al lui John Frankenheimer a apărut cu un an înainte), dar această tragedie, cuplată cu uciderea ulterioară, televizată, a primului suspect Lee Harvey Oswald de către proprietarul clubului de noapte Jack Ruby, a stârnit toate felurile de suspiciuni care doar în anii au ajuns la suspiciuni. Acest tip de gândire ne-ar oferi un flux de thrillere paranoice grozave în anii 1970, dar sentimentul că tipurile întunecate și atotputernice controlau lumea a fost de bază pentru satira extrem de inventive din 1967 a lui Theodore J. Flicker „Analistul președintelui”.

În ceea ce privește obiectivele sale, comedia neagră a lui Flicker este în mod clar datată. Cu toate acestea, oamenii au văzut compania Bell Telephone (alias „Ma Bell”) ca o corporație monopolistă neliniștitor de mare în urmă cu 60 de ani. Ce legătură are toate acestea cu președintele Statelor Unite care are nevoie de un terapeut? Trebuie doar să te rostogolești cu nebunia neîngrădită a filmului, ceea ce este ușor de realizat atunci când rolul principal este jucat de un James Coburn complet joc. Dr. Sidney Schaefer al actorului își îndeplinește meseria la maxim, dar, așa cum ne-a amintit din când în când „Sopranele”, și terapeuții au nevoie de terapie. Acest lucru se dovedește problematic pentru Schaefer, deoarece nu există nimeni în lume cu autorizație de securitate cu care să-și poată împărtăși propria suferință emoțională. Acest lucru îl face să scape de mânuitorii săi și să plece într-o călătorie ciudată care îl aduce în contact cu agenți care caută fie să-l omoare, fie să-l recruteze, o hată de hippii și, da, compania de telefonie. Vei zâmbi în timp ce Flicker îl pune pe Coburn printr-o încercare suprarealistă, în timp ce vei simți palpabil mișcarea de contracultură a deceniului. „Analistul Președintelui” este multdar, hei, Roger Ebert i-a dat patru stele!

La un an după protestele zguduitoare și brutalitatea poliției care au transformat Convenția Națională Democrată de la Chicago într-un câmp de luptă, regizorul de gherilă Robert Downey Sr. a rostit cea mai neobișnuită și neînfricată satiră politică a deceniului – și dacă cineva cu orice convingere ideologică a crezut că filmul le va satisface convingerile ferm stabilite, a aflat rapid că Downey nu are niciun interes să ia o parte. Inspirat probabil din comedia anarhică și vesel profană a aruncatorului de bombe Lenny Bruce, filmul lui Downey este radical în viziunea sa (aproape revoluționară) că prea multă putere îi corupe pe toată lumea. În acest caz, personajul din titlu (Arnold Johnson) este cel care preia controlul unei mari firme de publicitate, deoarece colegii săi albi greșesc votul consiliului.

Swope rebotezește compania „Truth and Soul, Inc.”, îi concediază pe toți albii și îi înlocuiește cu angajați de culoare, care sunt peste tot din punct de vedere politic. Downey a filmat filmul în alb-negru, trecând la culoare doar pentru reclamele scandalos de obscene produse de colegii săi. (Reclama pentru cremă pentru cosuri Face-Off, filmată ca orice loc aleatoriu din epocă, te va face să urli.) Stilul de conducere al lui Swope este neregulat și, în cele din urmă, contradictoriu, ceea ce îl lasă deschis criticilor dure din partea unui membru al consiliului de administrație cunoscut doar sub numele de The Arab (marele Antoine Fargas). Downey vrea să apese o mulțime de butoane și probabil că te va enerva la fel de mult pe cât te face să râzi. Dar asta tinde să facă cea mai bună satiră contracultură din acea epocă.