5 filme perfecte pe care Roger Ebert i-au plăcut pe care toată lumea ar trebui să le vizioneze cel puțin o dată

Roger Ebert a lucrat ca critic profesionist de film pentru Chicago Sun-Times din 1967 până la moartea sa în 2013. În acea perioadă, a revizuit mii de filme, folosind adesea o scară de stele de la zero la patru stele. Ebert a scris adesea despre cât de mult ura scara stelelor, deoarece a făcut ca toate filmele să pară comparabile. A trebuit să clarifice în mod repetat că un rating cu stele măsura cât de bun este un film pe baza scopului propriu declarat al filmului. Nu era o modalitate de a pune filmele la scară. Când Ebert a început să scrie o serie de eseuri despre cei mai remarcați clasici din istoria cinematografiei (o practică bi-săptămânală pe care a început-o în 1996), el a numit seria doar „Filme grozave”. Nu „Cele mai bune filme” sau „Cele mai bune filme”. Doar cele grozave.

Gusturile lui Ebert erau adesea imprevizibile, dar asta provenea din viziunea lui vital egalitară asupra filmelor. A avut grijă să ofere fiecărui film o scuturare uniformă. Era conștient de istoria cinematografiei, dar Ebert era întotdeauna atent să vadă filmul, așa cum se juca, chiar în fața lui. El era cea mai rară dintre ființe: intelectualul populist. În 2013, lumea a pierdut un gigant.

Datorită site-ului său, puteți sorta toate cele 8.107 recenzii pe care le-a scris Ebert și chiar le puteți sorta în funcție de an și rating de stele. În cariera sa, Ebert a dat 1.309 recenzii de patru stele. Acest număr, totuși, include relansările de filme mai vechi, toate „Filmele grozave”, precum și reevaluările filmelor pe care le-a „actualizat” pentru a le include pe lista „Filme grozave”. Dacă cineva vrea să fie zgârcit și să includă doar recenziile de patru stele pe care Ebert le-a publicat despre filme noi, scrise la lansare, acest număr este încă mare, însumând în anii 900.

Mai jos sunt cinci filme notabile de patru stele, unul pe deceniu, selectate din acea listă.

Jacques Tati a fost unul dintre cei mai mari comedianți de pe ecran, la egalitate cu geniul lui Buster Keaton sau Harold Lloyd. Filmele sale au fost liniștite, neîntâmplătoare și nedramatice. Nu prea a scris povești, a evitat prostiile violente și uneori și-a pierdut din vedere protagonistul. Capodopera sa, „Sărbătoarea lui M. Hulot” din 1953, este emblematică pentru stilul lui Tati, dramatizând de obicei viniete mici și amuzante într-un mod calmant, incidental. O pensulă spală la țărm exact în locul potrivit. Înghețata unui copil mic vine aaaaa aproape că cade. Asa ceva. Mic umor incidental.

Până în 1967, însă, Tati devenise ambițios și căuta să facă cel mai mare film din cariera sa. Pentru filmul său „Playtime”, Tati a construit un întreg oraș fals – Tativille – în care Hulot-ul său inocent și suburban să se plimbe. Hulot nu se mai afla într-un oraș de țară sigur, ci în mijlocul expansiunii urbane. Acolo, Tati a mai găsit mici momente de umor întâmplător. Semnul cu neon care îl face să pară ca un preot are un halou. Apartamentele stivuite care, privite în mod corect, seamănă cu unitățile învecinate care interacționează în mod ciudat. Personajul Hulot al lui Tati (pe care l-a jucat) dispare în oraș și nu este pe ecran pentru o mare parte. Într-adevăr, există o mulțime de Huloți „fake-out” pe tot parcursul filmului (adică oameni care poartă aceeași ținută și fumează aceeași pipă), făcând publicul să vadă că bucăți din personaj se transmigrează mai mult sau mai puțin în public. Filmul nu are dialog.

A fost și cel mai lung film al lui Tati, cu 124 de minute. Are loc pe parcursul unei nopți lungi și se simte obositor și satisfăcător, la fel cum o petrece o petrecere de toată noaptea în zori. Este emoționant, contemplativ și ciudat de strălucitor. Ebert a inclus în cele din urmă „Playtime” pe lista sa de filme grozave.

Westernul acid „El Topo” al lui Alejandro Jodorowsky a lansat destul de mult fenomenul filmului Midnight în Statele Unite. Un expozant întreprinzător din New York a descoperit că „El Topo” era prea ciudat pentru publicul mainstream, dar dacă îi întâmpina pe cei ciudați după ore (și, important, îi lăsa să fumeze iarbă în teatru), atunci „El Topo” ar juca ca niște gangbusters.

A făcut-o. Filmul lui Jodorowsky a fost despre un pistolier (pe care l-a jucat el însuși) care a pornit într-o căutare pentru a-și învinge mai mulți maeștri spirituali care locuiesc în deșert într-un schimb de focuri. Are loc într-o țară nespecifică, dar violența pândește la fiecare colț. Pistoarul și fiul său tânăr se trezesc adesea trecând prin scene de crimă asemănătoare unui abator și călcând peste râuri de sânge. Pe măsură ce pistolul ucide pe fiecare dintre marii maeștri spirituali, el începe să înțeleagă cât de îngrozitor distruge lumea. Cucerirea violentă distruge totul. Da, acesta este un film psihedelic care poate fi interpretat în nenumărate moduri.

În cele din urmă, pistolul este învins, împușcat și lăsat ca mort. El este reînviat într-o peșteră subterană, îngrijit de proscriși și persoane cu dizabilități. El devine el însuși un mare maestru spiritual, renunțând la violență și dedicându-și viața rugăciunii, mimei și iubirii. Fiul pe care l-am văzut mai devreme (interpretat de propriul fiu al lui Jodorowsky, Brontis) va deveni un nou pistolier.

Ebert însuși a remarcat că recenziile despre „El Topo” sunt frustrante de citit, deoarece, ei bine, tot ce pot face cu adevărat este să descrie evenimentele de pe ecran. Filmul este atât de ciudat și de variat, încât o simplă recenzie nu ar face dreptate materială. „Filmul există ca o experiență de neuitat, dar nu ca una de înțeles”, a scris Ebert. Și asta, desigur, este o experiență îndrăzneață în sine. Este glorios de suprarealist, sumbru și inefabil. Și totuși, o putem înțelege, simbolic și emoțional.

Când Ebert și-a început recenzia, „„Sugar Cane Alley” pare să iasă atât de direct din vechile amintiri, încât este o surpriză să descoperi că regizorul s-a bazat pe un roman; pare atât de real încât presupunem că s-a bazat pe propria ei viață”. Filmul a fost filmul de debut al lui Euzhan Palcy, care a continuat să facă „A Dry White Season” și „Siméon”, și a avut loc în Martinica ei natală. Este firesc până la punctul de a te simți ca un documentar, chiar dacă este plasat în anii 1930. Filmul urmărește un tânăr orfan pe nume José (Garry Cadenat), în timp ce este crescut de bunica lui Ma’Tine (Darling Legitimus). El și toți ceilalți din mica sa comunitate rurală lucrează în câmpurile de trestie de zahăr din apropiere, unde sunt maltratați și abuzați de colonialiștii francezi care supraveghează recoltele.

Povestea urmărește ascensiunea lui José prin școală, în timp ce el și bunica lui (în special bunica lui) se chinuie la nesfârșit pentru a se asigura că își poate permite să scape de originile sale sărace. José nu este întotdeauna recunoscător, dar este destul de inteligent și deștept pentru a vedea că are potențialul de a crește în altă parte. Dar aceasta nu este o poveste ciudată despre Horatio Alger sau un mit despre zdrențe-la-bogăție pe JD Vance. Aceasta este o poveste sinceră, texturată, a unui timp și loc foarte specific. Ebert a scris „Sugar Cane Alley” își vede lumea atât de clar pentru că este o muncă din interior”, adică Palcy, tot din Martinica, știa totul despre detaliile locale.

După cum s-a spus, cu cât o poveste este mai specifică, cu atât devine mai universală. Nu trebuie să fii un băiat martinican al anilor 1930 pentru a înțelege și aprecia „Sugar Cane Alley”. Este un film grozav, care amintește de „Pather Panchali” al lui Satyajit Ray, dar sincer despre copii, precum „Small Change” al lui Francois Truffaut.

Documentarul Errol Morris a fost mult timp interesat de străinii fascinanti, așa cum se vede în filme precum „Gates of Heaven” (despre un cimitir de animale de companie) sau „Vernon, Florida” (despre ciudatul oraș cu titlu). În filmul său din 1997 „Fast, Cheap & Out of Control”, Morris intervievează un cvartet de străini ciudați care caută cu toții sensul vieții prin propriile profesii de nișă. Morris și-a folosit invenția remarcabilă, Interrotronul (care a permis subiectului interviului să se uite aparent direct la camera de filmat), pentru a vorbi cu George Mendonça, un grădinar cu topiari din Rhode Island. De asemenea, a vorbit cu Rodney Brooks, expert în robotică la MIT; Dave Hoover, un îmblânzitor de lei; și Ray Mendez, un expert în șobolani-aluniță goi. Ce legătură au aceste patru profesii una cu cealaltă? Trebuie să aveți multă pasiune și experiență pentru a-i face să funcționeze.

Și în timp ce „Fast, Cheap & Out of Control” poate fi savurat ca o contemplare capricioasă a unor locuri de muncă ciudate, treptat se transformă într-o premisă filozofică în timp. Iată patru oameni care caută stăpânirea colțului lor de lume. În sensul Camus, ei își fac stâncile lucrurile lor. Ebert a scris în recenzia sa că toți cei patru bărbați „au același scop: să controleze lumea într-un mod care să-i facă fericiți”. Interviurile sunt intercalate cu un serial groaznic de film vechi numit „Darkest Africa”, care îl avea în rol principal pe Clyde Beatty, un antrenor de animale pe care Hoover l-a admirat foarte mult. Clipurile adaugă un element de kitsch procedurilor, dar dezvăluie, de asemenea, că marea abilitate și marea inspirație pot veni de oriunde.

Desigur, acesta a fost și etosul lui Ebert.

Conversațiile din titlu din „13 conversații despre un lucru” a lui Jill Sprecher sunt toate despre fericire. Filmul este prezentat în 13 viniete, toate urmărind un grup de șase personaje. Există avocatul ambițios Troy (Matthew McConaughey), un hotshot mai fericit decât tine, a cărui idilă personală se termină atunci când se angajează într-o lovitură și fugă. Există femeia de curățenie care se luptă, Beatrice (Clea DuVall), care reușește cumva să-și păstreze idealismul chiar și după ce a suferit o accidentare, înfuriind-o pe colega ei cinică Dorrie (Tia Texada). Există un cuplu de vârstă mijlocie Walter și Patricia (John Turturro și Amy Irving), a căror căsnicie începe să se destrame atunci când Walker are o aventură cu un student. Există Gene (Alan Arkin), un om de birou asediat al cărui fiu cade mai adânc în dependența de droguri.

Toate poveștile se intersectează în cele din urmă, dar nu acesta este scopul „13 conversații”. Filmul este contemplativ și, ei bine, conversațional. Este ca un film cu Jim Jarmusch, dar conversațiile au de fapt direcție și sens. Are loc în acele momente în care cineva realizează că nu este mulțumit de soarta lor și trebuie să se confrunte cu o socoteală despre ce să facă în continuare.

Ebert a fost impresionată de munca lui Sprecher, scriind că a surprins ceva universal despre condiția umană. „Motorul care conduce personalitatea umană”, a scris el, „este dorința noastră de a fi fericiți în loc de triști, distrați în loc de plictisit, inspirați în loc de dezamăgiți, informați mai degrabă decât ignoranți. Nu este o afacere ușoară”. Pentru Ebert, acesta este un film despre cum nimic nu are sens și despre cum fericirea și durerea sunt ambele aleatorii, în ciuda luptelor noastre față de unul și departe de celălalt. Dar acesta nu este un film nihilist. Pentru că suntem cu toții conectați, ne putem bucura de locul nostru în lume. Viața este amuzantă. Fericirea este în crăpături.