5 filme din anii ’60 care au îmbătrânit teribil

Niciun film nu este imun la istorie. Există un motiv pentru care criticilor de film le place să spună că toate filmele sunt politice. Pentru că fiecare film este rezultatul direct al timpului în care a fost făcut. Fiecare film, indiferent dacă cineaștii și-au dat seama sau nu, îmbrățișează orice valori ar fi putut pluti prin aer în acel moment. Toate problemele politice ale zilei sunt sintetizate – conștient sau inconștient – ​​prin mintea artistului, producând artă care va fi întotdeauna un comentariu asupra moralei contemporane. Dacă un film nu pare să aibă o politică, este doar pentru că este de acord 100% cu status quo-ul. Dacă nu simți că un film este politic, este doar pentru că se întâmplă să fii de acord cu opinia filmului.

Este mai ușor să vezi politica unui film – în special politica iresponsabilă a unui film – cu beneficiul unei analize retrospectivă a câteva decenii. Filmele realizate în anii 1960, care acum au peste 50 de ani, reflectă în mod necesar atitudinile și obiceiurile sociale ale acelei epoci. Multe filme din anii 1960 au fost avansate, progresive sau universale, permițându-le să îmbătrânească bine și să joace în continuare ca gangbusters pentru un public modern. Multe altele, însă, sunt asertiv retrograde, întărind atitudinile mai rasiste ale deceniilor, impulsurile sexiste și mesajele lipsite de caracter.

Chiar și atunci când creatorii mass-media din anii 1960 și-au propus să fie progresiști, totuși au căzut din nou în sexism sau rasism în mod implicit. Gene Roddenberry a încercat să facă serialul său TV din 1966 „Star Trek” oarecum progresist în ceea ce privește unitatea pământească, dar le-a îmbrăcat totuși pe membrii distribuției serialului în fuste mini și a scris episoade care aveau în spate câteva idei destul de sexiste.

Intenționat sau nu, următoarele filme din anii 1960 au îmbătrânit ca laptele fin.

Adaptarea lui Blake Edwards din 1961 după romanul lui Truman Capote „Breakfast at Tiffany’s” nu prea pare învechită la început, dar cu siguranță a acumulat un sentiment de modă veche. Holly Golightly (Audrey Hepburn, deși rolul a fost scris pentru Marilyn Monroe), o socialistă ciudată, este la rândul său ticălos și lumesc, emanând un fel de atitudine liberă a anilor 1960 pe care nu o mai vedem prea mult în filme. Filmul este, de asemenea, liber în structura sa și s-ar putea să-și amintească scenele de petrecere lungi și vorbărete ale filmului mai mult decât orice are de-a face cu intriga sau personajele sale. Eu, de exemplu, nu mi-am amintit până când am revăzut recent cât de mult au fost implicați traficanții de droguri în poveste. În schimb, mi-am amintit scena de la sfârșit în care Paul (George Peppard) i-a încălzit în sfârșit inima lui Holly.

Însă atitudinea slăbită din anii 1960 nu este motivul pentru care „Breakfast at Tiffany’s” este învechit. Este turnarea actorului alb Mickey Rooney în rolul domnului Yunioshi, proprietarul japonez al lui Holly. Până în anii 1960, era considerat ofensator ca actorii albi să apară în fața neagră, dar se pare că transformarea unui actor alb într-un japonez era încă considerată în regulă, cel puțin după standardele de studio de masă. Performanța lui Rooney este îngrozitor de ofensivă, aplecându-se spre stereotipuri fizice și atitudini rasiste. Blake Edwards a crezut probabil că Rooney joacă doar un personaj „amuzant”. Am aflat dintr-un videoclip de pe canalul Be Kind Rewind de pe YouTube că Rooney a fost creditat drept „Ohayo Arigatou” în materialele de presă timpurii. Același videoclip a subliniat că Edwards a ajuns să se bazeze pe „stereotipul japonez amuzant” ca fiind cea mai bună modalitate de a introduce comedia în film.

Rezultatul este o performanță rasistă pentru veacuri. Rooney pune în valoare accentul și stângăcia domnului Yunioshi, transformându-l într-un lucru pe care publicul modern nu îl va putea suporta.

Epopeea de război „Zulu” a lui Cy Endfield din 1964 urmărește evenimentele din Bătălia de la deriva lui Rorke, un conflict din 1879 între britanici și Imperiul Zulu din Africa de Sud, purtat în timpul războiului anglo-zulu. Bătălia a fost, pe scurt, un efort al britanicilor de a coloniza zona. În bătălia de la Isandlwana, oamenii locali zulu i-au respins pe colonialiști. Unii zulu s-au întrerupt din luptă și au mers, de asemenea, după un post britanic la Rorke’s Drift. Britanicii au reușit să respingă atacul, remarcându-se drept „eroi” împotriva localnicilor africani „răi”.

„Zulu” nu are nimic rău de spus despre colonialismul britanic și îi înfățișează pe soldați ca pe niște eroi asediați care luptă pentru o „cauza pierdută”. Revista Paste a scris odată o retrospectivă despre „Zulu”, subliniind că filmul a primit o mulțime de critici de-a lungul anilor pentru atitudinile disprețuitoare față de poporul zulu și atitudinea sa puternică către atitudini jingoiste despre gloriile luptei pentru Imperiul Britanic. The Times a citat chiar și o dată „Zulu” ca susținând idei care pot fi ușor de înțeles de naționaliștii albi. Același articol, totuși, a montat o apărare a filmului, susținând că are scene de tragedie și groază care subminează orice ticăloșie. Se pare că „Zulu” rămâne controversat până în zilele noastre. /Filmul încă îl numește unul dintre cele mai bune ale lui Michael Caine.

Și deși s-ar putea să nu existe nimic explicit în textul „Zulu” care să încurajeze naționalismul alb, realizatorii au ales totuși să facă un film despre acest eveniment, care ar putea, în mâini greșite, să fie folosit ca propagandă. În anii 2020, suntem mult mai sensibili la mass-media care ar putea încuraja o politică întunecată și este înțelept și necesar să subliniem aceste lucruri.

„Zulu”, atunci, nu poate fi urmărit fără aceste conversații atașate. Acesta este un mod prost de a îmbătrâni.

Părțile ofensive ale adaptării cinematografice a lui Franco Zeffirelli din 1967 după „The Taming of the Shrew” de William Shakespeare nu sunt chiar vina regizorului. Într-adevăr, pentru acesta, vina este a lui Shakespeare. „The Taming of the Shrew”, o comedie scrisă la începutul anilor 1590, este despre o femeie necăsătorită intenționată, pe nume Kate, care este „îmblânzită” de un pretendent abuziv pe nume Petruchio. Petruchio își petrece jocul abuzând și abuzând pe Kate până când voința ei este ruptă și devine o soție ascultătoare. Chiar și nebunii lui Shakespeare trebuie să se aplece pe spate pentru a interpreta piesa ca fiind altceva decât sexistă.

Interpretarea lui Zeffirelli a „Shrew” nu inversează suficient scenariul, lăsând intact tot sexismul lui Shakespeare. Elizabeth Taylor o interpretează pe Kate și este o tragedie să asistăm la zdrobirea ei de Petruchio al lui Richard Burton.

Totuși, ceva care este vina lui Zeffirelli a fost tratarea sexuală a adolescenților în adaptarea sa din 1968 din „Romeo și Julieta”. În timp ce „Romeo și Julieta” lui este sincer față de text și poate fi una dintre cele mai bune adaptări pe care le-a suferit vreodată piesa, Zeffirelli ar fi fost puțin prea sincer cu actorii săi principali. El a vrut să arate că Romeo și Julieta fuseseră sexuale și a filmat în mod infam o scenă în care cei doi actori ai săi, Olivia Hussey și Leonard Whiting – ambii minori la acea vreme – păreau nud.

În 2023, Whiting și Hussey au dat în judecată Paramount, susținând că scenele de nud au fost filmate sub constrângere și că nuditatea a fost o decizie de ultim moment din partea lui Zeffirelli. Procesul se încadrează, de asemenea, în conformitate cu alte câteva incidente în care Zeffirelli ar fi fost inadecvat din punct de vedere sexual cu actori tineri, inclusiv actorul „Romeo și Julieta” Bruce Robinson. Este un film grozav, dar acum este greu de urmărit, știind ce facem cu Zeffirelli.

Dacă suntem sinceri, majoritatea filmelor cu James Bond sunt problematice. Super-spionul lui Ian Fleming a fost, pentru filme, transformat într-o femeie ultra-sexuală, un fermecător de cel mai înalt nivel. Prin descrierea personajului de către Sean Connery (începând din 1962 cu „Dr. No”), Bond a devenit un lotario incorigibil care și-a folosit priceperea sexuală ca armă mai des decât Walther PPK. Libidoul lui Bond și sexismul însoțitor au fost atât de notorii, încât a fost satirizat în mod deschis în versiunea din 1967 a „Casino Royale”.

Dar dintre primele filme cu James Bond, niciunul nu este mai ofensator decât „You Only Live Twice” al lui Lewis Gilbert, al cincilea film din seria James Bond produs de Eon și urat în mod deschis de Roald Dahl, scenaristul său. În „Twice”, James trebuie să călătorească în Japonia deghizat… ca un japonez. Este echipat cu un machiaj special pentru a-i oferi trăsături asiatice, care nu sunt deloc convingătoare. Majoritatea femeilor sunt de obicei obiectivate în filmele timpurii cu James Bond, iar acest lucru este cu siguranță adevărat pentru femeile japoneze care îl mângâie și îl mângâie pe James Bond ca pe un zeu sexual rătăcit.

Filmele cu James Bond tind să fie plasate în orașe din întreaga lume, iar drumețiile lor pe glob rămâne una dintre caracteristicile cele mai atrăgătoare ale seriei. Dar cu „De două ori”, Japonia este foarte văzută din perspectiva unui străin, „alterând” poporul japonez într-o măsură extremă. Ceea ce odată ar fi putut părea o excursie capricioasă pe un tărâm exotic acum, pentru ochi moderni, pare înapoiat și rasist. Până în 1967, regizorii japonezi precum Akira Kurosawa și Yasujiro Ozu erau cunoscuți în întreaga lume. Mai mulți oameni ar putea vedea filme japoneze reale. „Trăiești doar de două ori”, atunci se simte în urmă cu vremurile.

Și iată-ne din nou cu Blake Edwards. Nu am nicio parte personală cu Edwards, țin cont, dar ca regizor de comedie în anii 1960, el s-a bazat prea des pe stereotipuri „amuzante” pentru comedia sa. În „Breakfast at Tiffany’s”, s-a aplecat în Mickey Rooney a jucat un personaj japonez. În „The Party”, el l-a angajat pe foarte talentatul Peter Sellers (vedeta din primele filme ale lui Edwards Pantera Roz) pentru a-și vopsi fața maro și a juca rolul unui indian. Acest lucru a fost inutil, deoarece avea o mulțime de comedianți indieni pe care i-ar fi putut distribui în rolul lui Hrundi V. Bakshi, personajul central al filmului său.

Ideea „The Party” este de fapt destul de amuzantă. Actorul Bakshi, pentru că este un personaj nebun, provoacă accidental o explozie pe platoul filmului în care apare. Șeful studioului, furios, încearcă să scrie numele lui Bakshi pe o listă neagră literală, dar în schimb îl scrie pe lista de invitații pentru o petrecere din industrie de vârf. În apărarea „Partidului”, nu este vorba despre cum Bakshi este prost, ci despre industria cinematografică în sine. Invitații la petrecere sunt și mai ridicoli decât personajul principal.

Dar nu se poate ocoli faptul că „The Party” se bazează pe stereotipuri și că un actor alb apare cu fața maro. În 2007, The Guardian a scris un articol despre un sentiment general de ambivalență față de „Partidul”. Da, spune autorul, filmul lui Edwards este foarte amuzant. Dar, adaugă el, este condusă și de o caricatură rasistă.